Os Vivos e os Mortos

Eu indico

The Dead (EUA / Reino Unido / Irlanda, 1987)

É 6 de janeiro de 1904 e Dublin celebra o Dia dos Reis em meio à neve. Na casa das irmãs Morgan, Julia (Cathleen Delany) e Kate (Helena Carroll), é oferecida uma ceia a amigos e parentes, incluindo a realização de um sarau musical e poético. Já perto do final da celebração, quando boa parte dos convidados já tinham saído, o barítono Bartell D'Arcy (Frank Patterson) começa a cantar uma música triste, que faz com que Gretta Conroy (Anjelica Huston) se lembre de uma antiga paixão que já faleceu. Surpreso com a mudança de comportamento de sua esposa, Gabriel (Donal McCann) interessa-se pela história. Dirigido por John Huston.

A morte para os vivos:

Este foi o último trabalho de John Huston, que dirigiu o filme já doente e em uma cadeira de rodas. Faleceu pouco depois da estreia do filme. Com apenas 83 minutos de duração, o resultado é uma bela reflexão, com um certo impacto emocional, mesmo que isso só fique explícito para o espectador nos últimos momentos do filme, quando uma bela narração é feita por um dos personagens, e que resume bem toda a proposta. É baseado em um conto do livro “Os Dublinenses”, do consagrado escritor inglês James Joyce, especialista em narrar histórias com base em sua própria vida familiar e experiências em Dublin, amizades e inimizades de sua vida.

O filme se passa em uma noite, em Dublin, no ano de 1904, numa ceia de família, onde os personagens compartilham memórias, poesias, canções, decepções, pequenas discussões políticas, pequenos atritos, etc. Durante o filme, a câmera passeia com classe pelo ambiente, focando muitos detalhes de objetos e da estrutura da casa.

A cena quando o casal Conroy está de saída, com Gretta ainda acima da escada (imagem acima), admirando uma cantoria, deixou uma marca na história do cinema; a imagem em si, com a expressão na face de Anjelica Huston - e parte do corpo de Frank Patterson embaixo, virado para ela - junto com o som da cantoria, expressam um instante de devoção à vida e à arte. Ao final, quando o casal chega no hotel onde estão hospedados, será explicada a reação da mulher à música. E é daí que o personagem de Conroy faz uma reflexão que compartilha com o espectador.

Assim como o título original, The Dead (“A Morte”), o cenário apresentado serve de pano de fundo para uma análise pertinente dessa fatídica condição humana, considerada por uns como o fim, por outros como uma passagem. Independente de qualquer vertente, para os vivos que ficam, sobra a saudade e a reflexão do sentido de sua existência; cada encontro familiar (ou com amigos), é único por si só, pois algumas pessoas podem não estar no próximo.

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Fontes:
http://50anosdefilmes.com.br/2008/os-vivos-e-os-mortos-the-dead/

As Aventuras de Tintim: O Segredo do Licorne

Eu indico

The Adventures of Tintin: The Secret of the Unicorn (EUA, 2011)

O ávido e insaciável jovem repórter Tintim (Jamie Bell) e seu leal cachorro Milu descobrem que o modelo de um antigo navio contém um segredo explosivo. Atraído pelo mistério centenário, Tintim se vê na mira de Ivan Ivanovitch Sakharin (Daniel Craig). Com a ajuda do mordaz e resmungão Capitão Haddock (Andy Serkis) e dos atrapalhados detetives Dupond e Dupont (Simon Pegg e Nick Frost), Tintim percorrerá meio mundo, atrás da localização exata onde teria afundado O Licorne, um galeão naufragado que pode conter a chave de uma imensa fortuna e de uma antiga maldição.

Spielberg, Peter Jackson e Tintim:

As Aventuras de Tintim é uma série de histórias em quadrinhos criada em 1929 pelo autor belga Georges Prosper Remi (Hergé). Spielberg é um fã da série desde seu surgimento no jornal Le Vingtième Siècle, destinado ao público infantil. O personagem Tintim é um jovem repórter belga e aventureiro viajante. Ele é auxiliado em suas aventuras por seu fiel cão Milu e pelo Capitão Haddock, entre outros personagens. A adaptação para o cinema usou a tecnologia 3D digital de captura de movimentos. Jamie Bell, conhecido pela excelente atuação como um garoto que se descobre um talentoso bailarino, no filme Billy Elliot (Reino Unido / França, 2000), vive o protagonista.

Os filmes de Tintim são um projeto conjunto de Spielberg e Jackson. A direção de Spielberg para um filme de animação faz toda a diferença, e os fãs devem ficar mais contentes ainda em saber que Peter Jackson deve dirigir a sequência (com produção de Spielberg). Contando com a supervisão do diretor de fotografia Janusz Kaminski, a animação é cheia de situações bem elaboradas de ação, que contém perseguições, brigas e até luta entre piratas. A sequência de perseguição em Bagghar é inesquecível, envolvendo explosões, inundação, animais, tanque, enquanto heróis e vilões disputam os pergaminhos. Muito bem bolada e divertida. Destaque também para os efeitos nas mudanças de cena (por exemplo, quando estão no deserto e a cena muda para o navio pirata no passado, a água do mar com o navio “invadem” a areia do deserto).

Para manter o dinamismo, o filme também conta com uma boa história, estilo caça ao tesouro, fazendo com que os personagens passem por vários lugares. Algumas cenas mostram o passado do avô de Haddock como um grande pirata, para explicar o contexto do Licorne. Cada personagem possui suas características que enriquem a história: Tintim gosta de se arriscar e possui grande capacidade de interpretar as pistas; Haddock tem uma forte ligação com a bebida – o que é usado de forma divertida em algumas cenas de ação - e mostra ser um homem mais velho e cansado, mas na hora que precisa é leal e experiente; os detetives Dupond e Dupont são atrapalhados e quase idênticos; o vilão Sakharine é ameaçador e tem habilidades com a espada; e o cão Milu é fiel, inteligente e tira os protagonistas das maiores enrascadas.

Apesar de ter ganho o Globo de Ouro 2012 como melhor filme de animação, no Oscar só recebeu a indicação pela trilha sonora. Para o Oscar, não é considerada uma animação os filmes que usam a técnica com ator de verdade para captura e posterior substituição por animação.

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Fontes:
https://pt.wikipedia.org/wiki/As_Aventuras_de_Tintim:_O_Segredo_do_Licorne
http://www.cinemaemcena.com.br/plus/modulos/filme/ver.php?cdfilme=2787

2 Coelhos

Eu indico

2 Coelhos (Brasil, 2012)

Edgar (Fernando Alves Pinto) encontra-se na mesma situação que a maioria dos brasileiros: espremido entre a criminalidade, que age impunemente, e a maioria do poder público, que só age com o auxilio da corrupção. Cansado de ser vítima desta situação, ele resolve fazer justiça com as próprias mãos e elabora um plano que colocará os criminosos em rota de colisão com políticos gananciosos. Na medida que o plano de Edgar é executado, descobrimos pouco a pouco suas reais intenções e sua história, marcada por um terrível acidente e um amor que ele jamais esqueceu. Dois Coelhos é um enigmático suspense de ação onde cada minuto vale mais que todo o passado. Dirigido e escrito por Afonso Poyart.

“A gente precisa se afastar um pouco do papel, para entender o desenho todo”

Levando quatro anos para estrear nos cinemas nacionais, este é um dos melhores filmes que tive oportunidade de ver no ano passado. Soube inovar o cinema brasileiro, com ação interessante, animações, efeitos visuais e sonoros e trilha sonora bacana, aproveitando bem o que a tecnologia oferece nos dias de hoje. Além de ficar no mesmo patamar que ótimos filmes americanos de mesmo gênero, tem a sua especificidade e mérito, na medida em que apresenta também um roteiro bem elaborado e surpreendente, criticando claramente a corrupção brasileira e a zona de conforto onde parte da sociedade se mantém. Apresenta a técnica de narrativa não-linear e um final entrelaçado com toda a linha da trama; aquele tipo de filme cuja última cena deixa o espectador perplexo. Destaco até a escolha certa do momento no qual o personagem narra “A gente precisa se afastar um pouco do papel, para entender o desenho todo”.

São muitas cenas com efeitos especiais, usando animação e desenho, dando um charme especial para o filme. A representação visual da personagem Julia (Alessandra Negrini), quando tem uma crise de síndrome de pânico, exemplifica bem essa característica.

Este é um destaque no meio de tantas produções nacionais que apresentam entretenimento descartável, boa parte inspirados em outras produções americanas também sem graça. Já existe um projeto para a refilmagem, por parte da produtora americana Tango Pictures.

Lista de filmes nacionais:

Neste espaço me arrisco a indicar alguns filmes nacionais:

- O Pagador de Promessas (1962)

- Deus e o Diabo na Terra do Sol (1964): dirigido por Glauber Rocha

- Terra em Transe (1967): também por Glauber Rocha

- Tolerância (2000): uma trama bem elaborada com uma boa pitada sexual. Neste blog:
http://eueatelona.blogspot.com.br/2014/04/tolerancia-brasil-2000.html

- Eu Tu Eles (2000)

- Bicho de Sete Cabeças (2001)

- Cinema, Aspirinas e Urubus (2005)

- O Homem que Engarrafava Nuvens (2009) (de Lírio Ferreira) (Documentário sobre Humberto Teixeira)
- Riscado (2010)

- O Palhaço (2011): com Selton Mello reconhecido por sua atuação e direção

- O Som ao Redor (2012): recentemente nos cinemas, excelente e bastante premiado. Neste blog:
http://eueatelona.blogspot.com.br/2013/07/o-som-ao-redor.html
- A Coleção Invisível (2012): venceu o prêmio de júri popular no Festival de Gramado. Neste blog:
http://eueatelona.blogspot.com.br/2013/09/a-colecao-invisivel.html
- Serra Pelada (2012)
- Jorge Mautner - O Filho do Holocausto (2012)
- Hoje Eu Quero Voltar Sozinho (2013)
- O Lobo Atrás da Porta (2013)
- Isolados (de Tomas Portella) (2013): filme de suspense nacional de qualidade. Neste blog:
http://eueatelona.blogspot.com.br/2014/12/isolados-brasil-2014.html

- Depois da Chuva (2013): de Cláudio Marques e Marília Hughes

- Praia do futuro (2014)
- Que Horas Ela Volta? (2015)

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Fontes: 
http://pt.wikipedia.org/wiki/2_Coelhos
http://omelete.uol.com.br/2-coelhos/cinema/2-coelhos-critica/

César Deve Morrer

Eu indico

Cesare Deve Morire (Itália, 2012)

Na prisão de segurança máxima de Rebibbia, Roma, um grupo de prisioneiros encena a peça "Júlio César", de William Shakespeare. Pelos corredores, fala-se de morte, liberdade, vingança. Realidades presentes no texto shakespeariano, mas também nas suas próprias histórias. Dirigido pelos irmãos Paolo e Vittorio Taviani, o filme venceu o Urso de Ouro no Festival de Berlim 2012.

Documentário e drama:

De forma inusitada, os diretores e irmãos Taviani fazem um filme usando como elenco detentos da prisão de segurança máxima Rebibbia, em Roma. Os detentos interpretam detentos, com base em fatos reais, se tornando assim atores, admiradores e contribuintes da sétima arte. E não só esta, mas também a arte do teatro (a 5ª arte), já que na trama, uma parcela dos prisioneiros é selecionada para ensaiar e representar a peça de Shakespeare. Dessa forma, há uma mistura que neste funciona de forma impressionante: drama e documentário.

O filme inicia com uma cena em cores, ao apresentar a peça, e logo depois volta ao passado para mostrar todo o processo pelo qual os detentos passaram (é aí que sabemos que são prisioneiros), a fim de realizar a peça. Aí temos o uso do preto e branco para destacar que estamos no passado.

Na maior parte do tempo o filme mostra os ensaios da peça, algumas vezes as cenas começam e não sabemos se os personagens estão ensaiando ou se estão fazendo outra coisa, na sua rotina bem determinada de prisioneiros; logo, pelo menos na maior parte das vezes, percebemos que estão ensaiando. É no mínimo emocionante perceber a empolgação e dedicação dos detentos ao papel de cada um, para a peça. E também é importante ver que em alguns momentos a realidade vem à tona para alguns deles, como quando um está desconcentrado e entristecido, pois acabou de receber uma visita que mexeu com ele. Também temos uma cena onde no meio do ensaio dois prisioneiros levam uma questão para o lado pessoal, gerando quase uma briga feia. Um terceiro e último exemplo, ocorre quando um deles consegue se identificar com uma passagem da peça, associando um fato que ocorreu com o mesmo antes de ser preso. Vão se confundindo a prisão em Roma com a Roma antiga, a fronteira entre vida e arte, realidade e encenação, usando o próprio ambiente da prisão como cenário principal, exposto assim essa relação de forma inteligente.

Todo o cenário natural da prisão é usado como espaço para ensaio, cada corredor, porta, cama, janela, muros, grades. A imaginação floresce, neste lugar de redenção, de pagamento pelos pecados de cada um. E, em certo ponto, temos uma discussão sobre dignidade e solidariedade, e principalmente sobre uma nova chance, já que estamos falando de pessoas com crimes como assassinato ou tráfico, mas que no final das contas, em contato com a arte, nos parecem mais humanos.

"Desde que conheci a arte, esta cela virou uma prisão"

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Fontes:
http://g1.globo.com/pop-arte/cinema/noticia/2013/02/estreia-cesar-deve-morrer-e-cronica-shakespeariana-feita-por-dupla-italiana.html
http://omelete.uol.com.br/cinema/cesar-deve-morrer-critica/

O Circo

Eu indico

The Circus (EUA, 1928)

O Vagabundo acaba indo parar em um circo enquanto fugia da polícia, que o confundira com um ladrão de carteiras. Ele sem querer acaba entrando no espetáculo e fazendo grande sucesso com o público, sendo logo contratado pelo dono, que irá se aproveitar dele. Ele ainda arranja tempo para se apaixonar pela acrobata, filha desse mesmo proprietário. Dirigido e estrelado por Charles Chaplin.

Circus:

Todo o talento de Chaplin foi testado neste filme, certamente um dos mais engraçados de sua carreira. A trama em si, que coloca o vagabundo Cartilos por acaso dentro de um espetáculo circense, é bem explorada visualmente, gerando também situações divertidas que são maximizadas pelo talento do ator em expressão corporal e coordenação. Também mantém o padrão de outros filmes e faz algumas reflexões, já presentes nas obras de Chaplin, como quando o personagem tem dificuldades em conseguir comida, quando é explorado pelo dono do circo e quando trabalhadores abandonam o emprego por falta de pagamento. Também mostra o comportamento ingênuo e, em outros momentos, até maduro e bondoso de Carlitos.

O filme tem as características de cinema mudo, com a trilha sonora bem presente e os letreiros na tela para alguns diálogos. Nesse ambiente, Chaplin tira de letra nos quesitos direção e atuação, demonstrando os sentimentos do personagem sem precisar falar e, além disso, provocando o riso no espectador.

Chaplin e o vagabundo:

Chaplin foi um diretor e ator bem famoso na era do cinema mudo, com seu personagem “O Vagabundo”, um andarilho pobretão que possui todo um comportamento de um cavalheiro (paletó apertado, calças e sapatos, chapéu-coco, bengala e pequeno bigode), e é considerado por alguns críticos o maior artista cinematográfico de todos os tempos, além de um grande pioneiro do cinema, junto com os Irmãos Lumière, Georges Méliès e D.W. Griffith.

Charlie Chaplin atuou, dirigiu, escreveu, produziu e financiou seus próprios filmes. Gostei de todos os que assisti até então: O garoto (1921), Em busca do ouro (1925), O Circo (1928), Luzes da cidade (1931), Tempos modernos (1936), O grande ditador (1941).

Assim como em O Circo, seus filmes costumam resumir a busca por uma vida melhor. Carlitos, após todas as desventuras e aventuras, normalmente abre um sorriso e segue em frente, sempre em busca da felicidade.

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Fontes:
http://cinemaedebate.com/2010/10/20/o-circo-1928/
http://pt.wikipedia.org/wiki/Charlie_Chaplin

Amanhecer de um sonho

Eu indico

Amanecer de un sueño (Espanha, 2008)

Marcel (Alberto Ferreiro) é abandonado por sua mãe aos seis anos de idade. A criança cresce com seu avô Pascual (Héctor Alterio), que lhe ensina as coisas mais importantes da vida e dá o amor que sua mãe lhe recusou. Anos mais tarde, quando Marcel tem 21 anos, decide que é hora de fazer a sua vida e faz planos para morar com sua namorada. Dirigido por Freddy Mas Franqueza.

Laços:

Este filme me lembrou o vencedor do Oscar 2013 de melhor filme estrangeiro, Amor (França, 2012), no que diz respeito a laços emocionais, fortes vínculos que fazemos e mantemos com as pessoas mais amadas. Enquanto o filme francês aborda a relação de um casal de idosos, este espanhol foca em duas gerações bem diferentes, um neto e um avô, onde o destino faz com eles convivam desde que o garoto é pequeno, sendo que os anos em que passam juntos cria uma ligação muito forte entre eles. Por um lado, o garoto sente muito a falta da mãe que o abandonou sem aviso, e provavelmente do pai que não conheceu; por outro lado, o avó, que o acolhe por bondade, também precisa suprimir uma solidão causada pela velhice e por um acontecimento do passado, que vem a ser confirmado mais tarde na trama. Incrível como duas pessoas com uma considerável diferença de idade se tornam inseparáveis, depois de anos de convivência.

Em algum ponto, no meio do filme, é dado um salto no tempo e o garoto já é um adolescente, com seus planos e expectativas de trabalho e de relacionamento. O avô já apresenta sinais de doença que o afeta mentalmente, numa interpretação memorável do ator Héctor Alterio, e nesta fase o garoto terá que provar a sua lealdade e o seu amor. É uma história bem comovente, mostrando as fortes ligações familiares, com simples passagens significativas mostrando as experiências que os dois dividem desde cedo, como andar na praia, jogar bola ou olhar um poço que tem um significado maior para o avô (nesta cena temos um jogo interessante de câmera, onde a mesma mostra o reflexo dos dois olhando para a água no fundo do poço).

Primeiro filme do diretor espanhol Freddy Mas Franqueza, onde ele leva suas experiências pessoais para as telas. Venceu vários prêmios internacionais, incluindo o de Melhor Filme no Festival de Cinema de Valência e Melhor Diretor no Festival de Cinema Internacional Eurásia. A produção contou com a colaboração da Fundação Espanhola para a doença de Alzheimer, até porque o filme também trás a questão dos efeitos da doença Alzheimer.

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Fontes:
http://www.eurochannel.com/pt/Amanhecer-de-um-sonho-Freddy-Mas-Franqueza-Espanha.html

Demônio (Devil)

Eu indico

Devil (EUA, 2010)

Cinco pessoas que ficam presas dentro de um elevador que, misteriosamente, pára de funcionar. O problema é que, aos poucos, tudo vai levando a crer que um daqueles é ninguém menos que o Demônio. Roteiro e produção de M. Night Shyamalan. Dirigido por John Erick Dowdle.

“... porque se existe o Demônio e a punição, existe também Deus e o perdão...”

Em Demônio, Shyamalan ocupa os cargos de produtor e roteirista. Os elementos de roteiro de Shyamalan marcam a obra. É criada uma história justificável (a base do roteiro) e os personagens possuem características marcantes e são misteriosos (policial com trauma de passado, mexicano religioso, ex-herói de guerra atormentado, etc). Poderia ser um filme chato já que o foco maior está dentro de um elevador, mas as situações que são criadas, dentro e fora, deixam o mesmo bem interessante. É usada a estratégia e tensão causadas pelo que “não é mostrado”, pois nenhum ato que leve a morte é explicitamente mostrado na tela, a energia do elevador desliga quando algo ruim vai acontecer e só ouvimos o barulho (como se estivéssemos lá dentro do elevador, no cantinho), e quando a luz volta, todos - personagens e espectadores – são apresentados ao resultado. Temos também um final interessante, que espero ser adequadamente interpretado por todos.

O filme já começa de uma forma criativa, pois a câmera vai passando pelos prédios altos da cidade, só que de cabeça para baixo, com a terra (inferno) acima do céu. E essa cena termina mostrando o resultado de um suicídio. É um ponto de partida que tem tudo a ver com o filme. Daí vem o suspense de quem será o demônio dentro daquele elevador, e o público pode suspeitar de qualquer um deles. Tendo pouquíssimas possibilidades de jogo de câmera quando a trama se passa no elevador, o uso dos sons e o aproveitamento das cenas do lado de hora compensa essa questão.

O filme Demônio é o primeiro de uma série de filmes que receberam o sinal verde para produção e roteirizarão dos contos de Shyamalan, intitulada The Night Chronicles.

M. Night Shyamalan:

O indiano M. Night Shyamalan tem em sua filmografia menos de 15 filmes. Desde o Sexto Sentido (1999), filme fabuloso e surpreendente, ele tem se mostrado um diretor e roteirista peculiar, com uma certa tendência a enganar o espectador e apresentar reviravoltas surpreendentes no final. O interessante é que ele usa filmes de suspense e terror e introduz uma boa carga dramática, aproximando o fantástico do mundo real e deixando a história mais rica. Considero essa característica um diferencial, mesmo ele sendo visto com grande controvérsia; a maioria se seus filmes ou são adorados, ou são odiados. Dizem que suas histórias são mal interpretadas e a crítica não o tem recebido muito bem.

Recomendo conferir a maioria dos seus filmes, tais como: O Sexto Sentido (1999), Corpo Fechado (2000), Sinais (2002), A Vila (2004), Fim dos Tempos (2008) e Demônio (2010). O seu próximo filme se chama After Earth (2013), e tem Will e Jaden Smith no elenco.

O diretor gosta de fazer aparições em seus filmes, só que ao invés de ser um mero personagem, normalmente tem grande importância e relação direta com a trama.

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Fontes:
http://pt.wikipedia.org/wiki/M._Night_Shyamalan
http://www.cinepop.com.br/criticas/demonio_101.htm

http://www.cinemaqui.com.br/criticas-de-filmes/demonio